coreografia Marina Donatone
performance Ilaria Quaglia
consulenza al disegno luci Gianni Staropoli Ivano Salamida
luce Cosimo Ferrigolo
organizzazione Monica Maffei
amministrazione Anna Damiani
cura e promozione Edoardo Lazzari
foto e video CIRCA studio
produzione Ass. Cult. CodedUomo
co-produzione Azienda Speciale Palaexpo - Mattatoio Roma | Progetto Prender-si cura
sostegno Teatro India - Teatro di Roma, Lavanderia a Vapore | téchne 2021, C.U.R.A. Centro Umbro Residenze Artistiche, Live Arts Cultures, Santarcangelo Festival

lower è un’esercizio di inclinazione, una rinuncia alla postura verticale in favore di altre possibili gravità. lower è una ricerca che tenta di tracciare uno spazio di azione all’interno di un sistema mobile e non predefinito, in cui il movimento si produce a partire dall’ambiente e dalle forze che lo attraversano. lower è un corpo che si sporge fuori dal proprio centro e si lascia cadere, incidendo un gesto in bilico tra fare e non fare, tra premere e sfiorare, e che continua ad andare giù, più in basso, dove si può ancora ballare, per poi ritrovarsi, guardarsi indietro e sorridere dell’essere già altrove.

Marina Donatone, danzatrice e coreografa, nasce a Roma nel 1993 e si forma presso la Budapest Contemporary Dance Academy e l’Università La Sapienza di Roma. Parallelamente si specializza in pedagogia del movimento per l’infanzia presso l’Ass. Choronde Progetto Educativo di Roma, il CDCN Le Gymnase e il CDCN La Briqueterie. In qualità di danzatrice ha lavorato in Italia e all'estero con artistз tra cui Virgilio Sieni, Jacopo Miliani, Daniele Ninarello e Csaba Molnár. Nel suo lavoro cerca un corpo in divenire che si dà al sistema coreografico come materia attiva, che lavora ed è lavorata a partire dalle relazioni in cui si inserisce, portando con sé la propria irriducibile composizione. Come autrice è stata sostenuta da realtà tra cui Mattatoio di Roma, Lavanderia a Vapore, Santarcangelo Festival, Teatro India - Teatro di Roma, Sín Arts Culture Centre Budapest, C.U.R.A. Umbria, Short Theatre. Nelle annualità 2020 e 2021 è parte, con Short Theatre, del progetto di internazionalizzazione per artistз e curatorз Boarding Pass Plus Dance. Parallelamente si occupa di pedagogia del movimento per l’infanzia e mediazione culturale. Dal 2020 al 2022 cura i progetti di formazione per adulti e bambinз al Mattatoio di Roma e attualmente collabora con i dipartimenti educativi di Palazzo Grassi - Punta della Dogana e Musei Civici di Venezia.

Ilaria Quaglia nasce a Torino nel 1990 e si forma come danzatrice in Italia e all’estero. Collabora con Yasmine Hugonnet, Luna Cenere, CollettivO CineticO, Raffaella Giordano e Mario Martone, Masbedo, Ariella Vidach/AiEP, Gabriella Maiorino. Con Superbudda realizza l’evento Masbedo peforming Night, la live performance Retroazione nell’ambito di The Others Art Fair, il cortometraggio Die Brücke successivamente diventato installazione presentata ad Artissima Fair. Nel 2017 fonda con Francesca Antonino e Laura Chieffo il Collettivo Munerude creando i progetti GRANITO e Rotten#1.

Foto di Laura Accardo

Coproduzione OE - Prima Nazionale

Fuori luogo, a-topos, déplacée. Una presenza fuori posto, “ sempre nel posto sbagliato” nelle parole di Edward Said, che non trova spazio né all’origine né all’approdo. Questo essere a-topos secondo Abdelmalek Sayad è una delle caratteristiche ricorrenti dell’esperienza migratoria, che configura una percezione di sé nella “doppia assenza” tra il luogo d’origine e quello di approdo: lo sradicamento e l’assenza dal Paese, il bled, accompagnata dal sentimento, sull’altra riva del Mediterraneo, che una volta “arrivati" in Europa, non si è mai interi da nessuna parte. Né qui né altrove. Dove siamo, non siamo noi stessi; dove eravamo, non siamo più. Tutti noi, persone che hanno attraversato una diaspora, cerchiamo quello che abbiamo lasciato di noi stessi nel nostro Paese d’origine, senza trovarlo qui, nel Paese d’arrivo. Non siamo né qui né lı̀, intrappolati tra due lingue, due culture, passato e futuro, alla ricerca di uno spazio identitario, che è invece presente e altro, e che continuamente oscilla tra i due poli. Barrani in tunisino è lo straniero, letteralmente “quello viene da fuori (el barra)”, chi ha intrapreso il viaggio verso l’Europa. A tutti noi, generazione della diaspora, cittadini europei non nativi, è dedicato questo lavoro di ricerca, un interrogarsi, individuale e collettivo, sulla partenza e sull'arrivo, sul desiderio e sui suoi limiti, sul qui da costruire e sul là come memoria, un presente nostalgico e un futuro pensato come un ritorno al passato. Stabilità, mobilità, cosa porto con me e cosa lascio indietro. Nostalgia, esilio, la lingua madre sono alcuni dei colori di un viaggio in un tempo non lineare, dove la presenza è duplice e connessa, la memoria un rifugio e il corpo un archivio di ritualità gestuali che fanno casa. Un lavoro di ricerca, indagine, che sviluppa nello spazio del performativo un luogo di creazione e riscrittura: attraverso lo studio di diversi strumenti digitali che permettono la riproduzione del sé in differita, Barrani è una performance - concerto dove danza, parola poetica e multimedialità permettono una nuova scrittura per sé, tra presente, passato e futuro, in uno spazio terzo e mediano che è tra i due poli del viaggio e che non esiste se non nel tempo della performance: lo spazio della narrazione.

Corps Citoyen è un collettivo artistico pluridisciplinare basato tra Tunisi e Milano. La pratica del collettivo si compone di diversi strumenti disciplinari (danza, teatro, poesia, video, animazione, scrittura e ricerca antropologica) per creare nuove narrazioni contemporanee.
L'obiettivo del gruppo è quello di rafforzare i valori della cittadinanza attraverso la pratica artistica, la formazione, la ricerca e la partecipazione attiva della società civile al Gine di promuovere un cambiamento politico e sociale. Corps Citoyen perché l'obiettivo principale del gruppo è quello di attivare la riGlessione sociale attraverso le potenzialità espressive dell'arte e del corpo in particolare, territorio di una battaglia biopolitica e spazio per una resistenza creativa.
Corps Citoyen è una piattaforma collettiva, dove trovano casa progetti condivisi e multidisciplinari, ma anche lavori individuali degli artisti del gruppo in collaborazione con altri artist* e professionisti.

Idea, coreografia e interpretazione Elena Antoniou
Musica & Sound design Stavros Gasparatos
Direzione artistica Christos Kyriakides
Drammaturgia Odysseas I. Konstantinou
Progettazione luci Vasilis Petinaris

Il poeta Charles Wright osserva tipicamente, "Tutti i paesaggi sono autobiografici." In "Landascape", Elena Antoniou tratta il suo corpo come paesaggio.
Lo sguardo di ogni spettatore/osservatore e, rispettivamente, la prossimità o la distanza dalla quale scelgono di osservare il corpo di Elena Antoniou sono gli elementi che completano l'opera.
La danzatrice si offre senza riserve verso nell’esposizione della sua esperienza personale come un paesaggio collettivo. Sovraespone il corpo femminile e sfida i limiti dello spettacolo con abilità invitando e provocando lo sguardo dello spettatore. Provoca lo spazio del corpo politico e lo mostra come profondamente traumatizzato ma anche sfacciatamente sessuale.

Elena Antoniou si è laureata con onorificenze alla Scuola Nazionale greca di Danza e alla Scuola di Danza Contemporanea di Londra "The Place" come membro di Edge Dance Company. Riceve una borsa di studio dalla Fondazione Koula Pratsika e dal programma Danceweb a Impulstanz a Vienna. Ha presentato il suo lavoro ad Atene, Berlino e Tel Aviv e ha collaborato con significativi organizzazioni, come la Onassis Stegi, l'Istituto Marina Abramovic (MAI) , NEON Organizzazione per la cultura & Sviluppo, e i festival di Atene e Epidauro. Dal 2021, collabora come performer con il coreografo di fama internazionale Maria Hassabi. Inoltre, ha collaborato anche come coreografa e regista del movimento con registi teatrali e organizzazioni in Grecia e a Cipro. Ha ricevuto il premio per la coreografia dal Cyprus Theater Awards per la performance "Diario di un pazzo" (Organizzazione teatrale di Cipro), ed è stata nominata per lo stesso premio nel 2011 per la commedia "Beckettx5" di gruppo teatrale Solo for Three.

Creato ed eseguito da Dana Michel
Attivatori artistici Viva Delorme, Ellen Furey, Peter James, Heidi Louis, Tracy Maurice, Roscoe Michel, Karlyn Percil, Yoan Sorin.
Consulente scenografico - Direzione tecnica Romain Guillet
Consulente sonoro David Drury
Produzione: SCORP CORPS - Viva Delorme, Dana Michel
Distribuzione: neon lobster – Giulia Messia & Katharina Wallisch
Coproduzione: ARSENIC - Centre d'art Scénique contemporain (Losanna, Svizzera / Svizzera),
Centre national des Arts (Ottawa, Canada), Festival TransAmériques (Montréal, Canada),
Julidans Amsterdam (Paesi Bassi / Pays-Bas), Kunstenfestivaldesarts (Bruxelles, Belgio /
Bruxelles, Belgique), MDT (Stoccolma, Svezia / Suède), Montpellier Danse (Francia), Moving
nel mese di novembre, (Helsinki, Finlandia / Finlande), Wexner Centro per le Arti dello Stato Ohio
Università di Colombus (Stati Uniti d'America / États-Unis d'Amérique).

Residenze creative: Alkantara (Lisbona, Portogallo), ANTI Festival (Kuopio, Finlandia), Centre national des Arts (Ottawa, Canada), Kinosaki International Arts Center and Kyoto Experiment (Giappone), Kunstenfestivaldesarts (Brussels, Belgio), Künstlerhaus Mousonturm (Francoforte, Germania), Montpellier Danse (Francia), residenza artistica ad Agora, città internazionale della danza, con il sostegno di BNP Paribas Foundation, RIMI/IMIR SceneKunst (Stavanger, Norvegia), Shedhalle (Zurigo, Svizzera)
Con il gentile supporto di Tanzhaus Zürich e dell’ambasciata dal Canada alla Svizzera, della Chocolate Factory (NYC, Stati Uniti d’America).
The creation of this work is being made possible Thanks to the financial support of Canada Council
for the Arts, Consiglio delle Arti e delle Lettere del Québec, Ministero delle Relazioni internazionali
e della Francofonia e del Consiglio delle Arti di Montreal.
La creazione di quest'opera è resa possibile grazie al sostegno finanziario del Consiglio delle Arti del Canada, del Consiglio delle Arti e delle Lettere del Québec, del Ministero delle Relazioni internazionali e della Francofonia e del Consiglio delle Arti di Montreal.

La creazione e la produzione di MIKE è un impegno a sottolineare l'idea che senza fiducia in noi stessi e negli altri, sia impossibile vivere in sicurezza una vita che rifletta la nostra interiorità. Siamo sicuri di rimanere bloccati in uno stato di disarmonia... paralizzati nell’incertezza di non saper rispettare o riconoscere l'altro. Dobbiamo imparare a fidarci dell’altro, ma dobbiamo prima fidarci di noi stessi. E così, con questo lavoro, Dana Michel porta in scena un elenco di tre "must"... attorno ai quali ruota la performance:
Aver fiducia dell’idea di non poter continuare a lavorare all'interno di modalità e ambienti non predisposti per una diversità di menti.
Aver fiducia che l’arte sia un posto sicuro dove persone con menti diverse si rifugiano alla ricerca di pace e fioritura.
Aver fiducia e credere nelle proprie esperienze di vita interiore per costruire un futuro sostenibile. Con questi tre “must”, la danzatrice esplora la cultura del lavoro per un futuro più inclusivo.

Dana Michel è un'artista dal vivo. Nelle sue opere interagiscono improvvisazione, coreografia, scultura, commedia, hip-hop, cinematografia, techno, poesia, psicologia,
dub e commento sociale.
Nel 2014, è stata insignita del nuovo premio ImPulsTanz (Vienna) come riconoscimento per gli eccezionali risultati artistici, ed è stata riconosciuta tra le meritevoli coreografe femminili dell'anno dal New York Times. Nel 2017, Michel è stato premiata con il leone d’argento per l'innovazione nella danza alla Biennale di Venezia. Nel 2018 è diventata la prima artista di danza in residenza presso il Centro delle Arti Nazionali in Canada. Nel 2019 è stata insignita del Premio Internazionale ANTI Festival Live Art (Kuopio, Finlandia). Nel 2022, il Canada Council for the Arts le ha conferito la Premio Jacqueline-Lemieux per il suo contributo alla danza in Canada.